[ OSCAR: the big night ]
- lista completa dei vincitori -
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- lista completa dei vincitori -
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WHO SAYS
Ale55andra in Little ChildrenTodd ...
Cinemasema in Little ChildrenTodd ...
parachimy in Il treno per il Darj...
Iggy in Little ChildrenTodd ...
Iggy in Michael ClaytonTony ...
Edooo in Little ChildrenTodd ...
t3nshi in Little ChildrenTodd ...
parachimy in Little ChildrenTodd ...
gahan in Michael ClaytonTony ...
MrDAVIS in Little ChildrenTodd ...
Cinemasema in Little ChildrenTodd ...
parachimy in Il treno per il Darj...
Iggy in Little ChildrenTodd ...
Iggy in Michael ClaytonTony ...
Edooo in Little ChildrenTodd ...
t3nshi in Little ChildrenTodd ...
parachimy in Little ChildrenTodd ...
gahan in Michael ClaytonTony ...
MrDAVIS in Little ChildrenTodd ...
HEADPHONES
WHAT'S REALLY HAPPENING
maggio 2008
aprile 2008
marzo 2008
febbraio 2008
gennaio 2008
--- 2007 ---
--- 2006 ---
STATION TO STATION
DRIVE-IN
4 mesi, 3 settimane, 2 giorni
A casa nostra
Across the universe
Almost famous
American dreamz
Anche libero va bene
Apocalypto
Arsenico e vecchi merletti
August rush (la musica nel cuore)
L'arte del sogno
Un bacio romantico
Belli e dannati
La bestia nel cuore
The black dahlia
The black Donnellys
Black snake moan
Bobby
The Bourne Identity
The Bourne Supremacy
The Bourne Ultimatum
The bridge
Buffalo soldiers
Il caimano
Californication
Cantando sotto la pioggia
Caos calmo
Charlie e la fabbrica di cioccolato
Le chiavi di casa
Chiedi alla polvere
Chopper
Le conseguenze dell'amore
Control
Correndo con le forbici in mano
La costola di Adamo
Cowgirls, il nuovo sesso
Crash
Creature del cielo
CSI: grave danger
Da morire
Death proof
Devils
Diario di uno scandalo
Dirt
Disturbia
La diva Julia
Do you like Hitchcock?
Drugstore cowboy
Eastern promises
Elephant
The elephant man
Eli Stone
Elizabeth: the golden age
Elizabethtown
Espiazione
Factotum
Factory girl
La famiglia Savage
La fiamma del peccato
Fur - Ritratto immaginario di Diane Arbus
Gerry
Il gioco dei grandi
Giorni perduti
Il grande capo
Happiness
Hard candy
Harold e Maude
Heima
I'm not there
In her shoes
In treatment
L'infernale quinlan
Ingannevole è il cuore più di ogni cosa
INLAND EMPIRE
Intermission
Into the wild
Intrigo a Berlino
Irina palm
Iris
The island
Junebug
Juno
Ken Park
Lars e una ragazza tutta sua
Last days
Lettera a tre mogli
Little children
Little miss sunshine
Long way round
Lontano da lei
The lost room
Loverboy
Manhattan
Manuale d'amore
Marie Antoinette
Medea
La mia vita a Garden State
La mia vita senza me
Michael Clayton
Nip/Tuck
Non bussare alla mia porta
The notorious Bettie Page
Number 23
Ogni cosa è illuminata
Onora il padre e la madre
I padroni della notte
Paradiso+Inferno
Paranoid park
Il petroliere
Piano, solo
The prestige
Il profumo
Qualcuno volò sul nido del cuculo
The queen
Quills
Radio America
Requiem for a dream
Ritorno a Cold Mountain
Sabrina
Sangue, la morte non esiste
Saturno contro
Scoprendo Forrester
Schegge di April
Schiavo d'amore
Shortbus
La sicurezza degli oggetti
La signora del venerdi
Six feet under
Stay
The station agent
La stella che non c'è
Strade perdute
Sul lago dorato
Sussurri e grida
Sweeney Todd
Thank you for smoking
Thumbsucker: il succhiapollice
Il treno per il Darjeeling
The tudors
Tutto può succedere
L'ultimo inquisitore
Gli uomini preferiscono le bionde
Veronika voss
Viale del tramonto
La vie en rose
La vita segreta delle parole
Volver
Waitress
Walk the line
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Junebug
Phil Morrison
2005
Junebug è il nome di un bambino che sta per nascere. Di lui non sappiamo nulla se non il fatto che sembra essere già predestinato a tirare le file di una famiglia in cui non si comunica da un pezzo: nella più classica delle situazioni disfunzionali, la soluzione fittizia e momentanea ad un problema. In questo ambiente di consolidato autismo relazionale irrompe Madleine, una gallerista di Chicago e moglie di George che in quella famiglia c’è cresciuto fino ad abbandonarla pochi anni prima. Lei, di passaggio nei luoghi natali di lui per concludere un affare con un’artista locale, conoscerà quindi per la prima volta i suoi genitori e suo fratello Johnny, sposato con la petulante e in “amara attesa” Ashley. Phil Morrison inizia così a fotografare le solitudini e le insoddisfazioni di ogni personaggio, riversate in sigarette da comprare, cacciaviti che spariscono e attaccamenti morbosi ai documentari del National Geographic: una pochezza che rimbomba nelle impeccabili stanze della casa ed esterni incorniciati dal verde delle aiuole. Scelta felice questa di Morrison che gioca abilmente con gli spazi e i movimenti dei personaggi in essi, allontanandoli e facendoli collidere con silente disperazione. Più Madleine cercherà di capire (e noi con lei) più quel microcosmo le sfuggirà di mano, incluso il marito che pensava di conoscere. Tra i film a tematica simile usciti negli ultimi anni, Junebug è sicuramente quello che soffre maggiormente di una sceneggiatura ridotta all’osso e meno illuminante di altre, ma lavorando per contrasto sulle atmosfere, si lascia osservare con curiosità. E poi non capita spesso di sentire gli Yo La Tengo suonare nella colonna sonora.
Phil Morrison
2005
Junebug è il nome di un bambino che sta per nascere. Di lui non sappiamo nulla se non il fatto che sembra essere già predestinato a tirare le file di una famiglia in cui non si comunica da un pezzo: nella più classica delle situazioni disfunzionali, la soluzione fittizia e momentanea ad un problema. In questo ambiente di consolidato autismo relazionale irrompe Madleine, una gallerista di Chicago e moglie di George che in quella famiglia c’è cresciuto fino ad abbandonarla pochi anni prima. Lei, di passaggio nei luoghi natali di lui per concludere un affare con un’artista locale, conoscerà quindi per la prima volta i suoi genitori e suo fratello Johnny, sposato con la petulante e in “amara attesa” Ashley. Phil Morrison inizia così a fotografare le solitudini e le insoddisfazioni di ogni personaggio, riversate in sigarette da comprare, cacciaviti che spariscono e attaccamenti morbosi ai documentari del National Geographic: una pochezza che rimbomba nelle impeccabili stanze della casa ed esterni incorniciati dal verde delle aiuole. Scelta felice questa di Morrison che gioca abilmente con gli spazi e i movimenti dei personaggi in essi, allontanandoli e facendoli collidere con silente disperazione. Più Madleine cercherà di capire (e noi con lei) più quel microcosmo le sfuggirà di mano, incluso il marito che pensava di conoscere. Tra i film a tematica simile usciti negli ultimi anni, Junebug è sicuramente quello che soffre maggiormente di una sceneggiatura ridotta all’osso e meno illuminante di altre, ma lavorando per contrasto sulle atmosfere, si lascia osservare con curiosità. E poi non capita spesso di sentire gli Yo La Tengo suonare nella colonna sonora. Sweeney Todd: il diabolico barbiere di Fleet Street
Tim Burton
2007
Ci sarebbe innanzitutto da gioire per la conferma che, anche senza Danny Elfman, Burton non perde smalto, non è come il suo barbiere di Fleet Street, incompleto se privato dei rasoi d’argento che gli permettono di portare a termine la sua sanguinaria vendetta. Prende il musical di Stephen Sondheim, che a dirla tutta puzza di morto lontano un miglio e gli dona nuova vita, lo piega alla sua estetica, alle sue ossessioni, immergendolo in una Londra vittoriana avvolta nel buio più cupo in cui si aprono grotteschi squarci da grand guignol. Sweeney Todd diventa quindi il Burton nerissimo e impeccabile che ci si aspetta, ma mentre si applaudono col rivolo di bava alla bocca l’ottima prova della coppia Depp/Bonham Carter e almeno due sequenze da antologia (l’arrivo a Londra e l’unico inserto a colori con By The River) non si può non provare una certa sofferenza per l’autoreferenzialità della pellicola che qui arriva a massimi storici con (giusto per prendere due esempi dal mucchio) dei titoli di testa che citano “Charlie e la fabbrica di cioccolato” ed un personaggio che è la fotocopia della Ricci in “Sleepy Hollow”. Sarebbero aspetti di poco conto se altrove Burton offrisse il lampo di genio a cui spesso ci ha abituati, ma stavolta viene difficile mettere in fila una sequenza di parole che non facciano rima con “gotico” o “burtoniano”.
Tim Burton
2007
Ci sarebbe innanzitutto da gioire per la conferma che, anche senza Danny Elfman, Burton non perde smalto, non è come il suo barbiere di Fleet Street, incompleto se privato dei rasoi d’argento che gli permettono di portare a termine la sua sanguinaria vendetta. Prende il musical di Stephen Sondheim, che a dirla tutta puzza di morto lontano un miglio e gli dona nuova vita, lo piega alla sua estetica, alle sue ossessioni, immergendolo in una Londra vittoriana avvolta nel buio più cupo in cui si aprono grotteschi squarci da grand guignol. Sweeney Todd diventa quindi il Burton nerissimo e impeccabile che ci si aspetta, ma mentre si applaudono col rivolo di bava alla bocca l’ottima prova della coppia Depp/Bonham Carter e almeno due sequenze da antologia (l’arrivo a Londra e l’unico inserto a colori con By The River) non si può non provare una certa sofferenza per l’autoreferenzialità della pellicola che qui arriva a massimi storici con (giusto per prendere due esempi dal mucchio) dei titoli di testa che citano “Charlie e la fabbrica di cioccolato” ed un personaggio che è la fotocopia della Ricci in “Sleepy Hollow”. Sarebbero aspetti di poco conto se altrove Burton offrisse il lampo di genio a cui spesso ci ha abituati, ma stavolta viene difficile mettere in fila una sequenza di parole che non facciano rima con “gotico” o “burtoniano”.Il petroliere (There will be blood)
Paul Thomas Anderson
2007
Pervaso da nostalgica voglia di “esperienza odorama” ho pensato a come potesse essere questo film veicolato da inebrianti profumi di bitume diffusi nell’aria durante la visione, ma è stata una fugace immagine abbandonata a pochi minuti dall’uscita dalla sala, una volta immesso nel tutt’altro che poetico traffico. Stronzate a parte il preambolo è necessario per sottolineare la forza evocativa di There Will Be Blood: quando un regista riesce a smuovere ogni singolo senso per farlo lavorare in concerto con testa e viscere, stringendoti alla gola per tutta la durata del suo film, non si può non parlare di qualcosa di monumentale. Paul Thomas Anderson anche stavolta ha fatto le cose in grande. Fuggendo infatti ad un blando ed inutile ritratto storico descrive, pur rimanendo ben ancorato al periodo di riferimento, l’epopea di Daniel Pleinview, un uomo forgiato dal petrolio che gli scorre nelle vene, accecato dalla superbia, assetato di potere e arido come le terre deserte che violenta per arricchirsi e nutrire la propria ossessione. Il bicchiere del ristoro è colmo dell’oro nero per il quale vive: per ogni torre posata, per ogni goccia succhiata al suolo, cresce il suo delirio di onnipotenza che lo porta a rinnegare tutto ciò che è al di fuori di sé stesso, che sia l’uomo, dio, o il legame con un figlio usato al pari di una merce di scambio. E il percorso di Pleinview sfociando in un epilogo antologico, viene magnificamente sublimato nella regia di Anderson il quale, nel momento in cui immerge i suoi personaggi nei nero più scuro, riesce nell’intento di immergersi a sua volta in un cinema dal respiro classico senza rimanerne travolto, ma anzi guardando avanti con mano ferma, alternando momenti cupi ed intimisti ad altri di autentica e vigorosa ferocia visiva che esplodono all’improvviso davanti agli occhi così come i pozzi neri di Little Boston.
Paul Thomas Anderson
2007
Pervaso da nostalgica voglia di “esperienza odorama” ho pensato a come potesse essere questo film veicolato da inebrianti profumi di bitume diffusi nell’aria durante la visione, ma è stata una fugace immagine abbandonata a pochi minuti dall’uscita dalla sala, una volta immesso nel tutt’altro che poetico traffico. Stronzate a parte il preambolo è necessario per sottolineare la forza evocativa di There Will Be Blood: quando un regista riesce a smuovere ogni singolo senso per farlo lavorare in concerto con testa e viscere, stringendoti alla gola per tutta la durata del suo film, non si può non parlare di qualcosa di monumentale. Paul Thomas Anderson anche stavolta ha fatto le cose in grande. Fuggendo infatti ad un blando ed inutile ritratto storico descrive, pur rimanendo ben ancorato al periodo di riferimento, l’epopea di Daniel Pleinview, un uomo forgiato dal petrolio che gli scorre nelle vene, accecato dalla superbia, assetato di potere e arido come le terre deserte che violenta per arricchirsi e nutrire la propria ossessione. Il bicchiere del ristoro è colmo dell’oro nero per il quale vive: per ogni torre posata, per ogni goccia succhiata al suolo, cresce il suo delirio di onnipotenza che lo porta a rinnegare tutto ciò che è al di fuori di sé stesso, che sia l’uomo, dio, o il legame con un figlio usato al pari di una merce di scambio. E il percorso di Pleinview sfociando in un epilogo antologico, viene magnificamente sublimato nella regia di Anderson il quale, nel momento in cui immerge i suoi personaggi nei nero più scuro, riesce nell’intento di immergersi a sua volta in un cinema dal respiro classico senza rimanerne travolto, ma anzi guardando avanti con mano ferma, alternando momenti cupi ed intimisti ad altri di autentica e vigorosa ferocia visiva che esplodono all’improvviso davanti agli occhi così come i pozzi neri di Little Boston. Caos calmo
Antonello Grimaldi
2008
Caos calmo è una piccola rivelazione. Da uno come Grimaldi che ultimamente ha dedicato più tempo alla televisione che al cinema, un film come questo non lo si aspettava. Sì, c'erano Moretti e un cast in gran spolvero, ma le dita incrociate per scongiurare l'effetto fiction, sono rimaste in quella posizione fino alle prime battute di questa storia. E invece? Invece, non appena le acque incazzate da cui Eleonora viene salvata si ritirano per lasciare spazio alla morte improvvisa di Lara, il quadro diventa subito più chiaro: inizia così l'elaborazione di un lutto e lo si fa in punta di piedi, sussurando il dolore che implode in Pietro e in sua figlia Claudia. I due insieme troveranno un modo speciale e tutto loro per assimilare quel dolore, ritagliandosi uno spazio che è un tramite per l’accettazione della perdita e la riconciliazione con se stessi. Grimaldi lavora di sintesi, accennando il dovuto e lasciando che siano i gesti, i piccoli passi e le azioni a parlare per i personaggi. In questo non si può negare l’evidenza del peso di Moretti nella stesura della sceneggiatura; la figura di Pietro è stata interamente scritta dal regista romano che, pur non rinunciando a qualche “morettismo”, delinea con empatia un personaggio che si ascolta trattenuto e che affronta in maniera dignitosa il distacco dalla persona amata, non curandosi dei consigli e le consolazioni che arrivano dall’esterno. E il limbo in cui si rifugia per gestire il tumulto interiore, fatto di panchine nel parco e di personaggi che si alternano, fugaci ma necessari per ritrovare il sorriso, diventa un microcosmo silenzioso ed emotivamente coinvolgente che è cosa rara nel nostro cinema, ormai abituato a patetismi, isterismi e scene didascaliche. Se vi state dunque chiedendo se questo è il solito plastificato film italico, la risposta è un sonoro no: Caos Calmo è, al contrario, cinema violentemente sincero.
Antonello Grimaldi
2008
Caos calmo è una piccola rivelazione. Da uno come Grimaldi che ultimamente ha dedicato più tempo alla televisione che al cinema, un film come questo non lo si aspettava. Sì, c'erano Moretti e un cast in gran spolvero, ma le dita incrociate per scongiurare l'effetto fiction, sono rimaste in quella posizione fino alle prime battute di questa storia. E invece? Invece, non appena le acque incazzate da cui Eleonora viene salvata si ritirano per lasciare spazio alla morte improvvisa di Lara, il quadro diventa subito più chiaro: inizia così l'elaborazione di un lutto e lo si fa in punta di piedi, sussurando il dolore che implode in Pietro e in sua figlia Claudia. I due insieme troveranno un modo speciale e tutto loro per assimilare quel dolore, ritagliandosi uno spazio che è un tramite per l’accettazione della perdita e la riconciliazione con se stessi. Grimaldi lavora di sintesi, accennando il dovuto e lasciando che siano i gesti, i piccoli passi e le azioni a parlare per i personaggi. In questo non si può negare l’evidenza del peso di Moretti nella stesura della sceneggiatura; la figura di Pietro è stata interamente scritta dal regista romano che, pur non rinunciando a qualche “morettismo”, delinea con empatia un personaggio che si ascolta trattenuto e che affronta in maniera dignitosa il distacco dalla persona amata, non curandosi dei consigli e le consolazioni che arrivano dall’esterno. E il limbo in cui si rifugia per gestire il tumulto interiore, fatto di panchine nel parco e di personaggi che si alternano, fugaci ma necessari per ritrovare il sorriso, diventa un microcosmo silenzioso ed emotivamente coinvolgente che è cosa rara nel nostro cinema, ormai abituato a patetismi, isterismi e scene didascaliche. Se vi state dunque chiedendo se questo è il solito plastificato film italico, la risposta è un sonoro no: Caos Calmo è, al contrario, cinema violentemente sincero. 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni
Cristian Mungiu
2007
Quella di Gabita e Otilia sembra una storia come tante, il resoconto clinico di un aborto clandestino consumato tra le mura di un albergo di quart’ordine. Ma il dramma si sviluppa nella Romania di Ceausescu e si palesa subito l’intento di Mungiu di allontanarsi dal prendere posizione su una tematica sempre attuale per abbracciare quella, ben più ampia, della castrazione di una dittatura che annulla l’essere umano, la scelta. Gabita, che porta in grembo l’errore e Otilia che la aiuta a porvi rimedio, si trascinano catatoniche in un labirinto fatto di interni claustrofobici e scorci cittadini avvolti il più delle volte nel buio più nero. Lo stesso buio che ritroveranno una volta uscite da quel tunnel, immerse in un contesto dal futuro vuoto e incerto: l’aborto di Gabita è l’aborto di uno Stato che uccide lo sviluppo del suo popolo. Una volta entrate nelle stanza 206 il tempo si ferma per sempre perché nulla sarà più come prima: la loro diventa una presa di coscienza che ammutolisce. Mungiu procede spietato e millimetrico, scandendo il tempo del gesto estremo voluto, pianificato, difeso ad ogni costo; non si concede a sguardi compassionevoli, eppure avvolge la solitudine di queste due donne smarrite, mosse dal terrore e dalla rassegnazione. Come quando Otilia che sembra crollare per la prima volta, rivolge lo sguardo in camera, silenziosa, alla ricerca di una risposta che saremmo subito pronti a dare per tranquillizzarla.
Cristian Mungiu
2007
Quella di Gabita e Otilia sembra una storia come tante, il resoconto clinico di un aborto clandestino consumato tra le mura di un albergo di quart’ordine. Ma il dramma si sviluppa nella Romania di Ceausescu e si palesa subito l’intento di Mungiu di allontanarsi dal prendere posizione su una tematica sempre attuale per abbracciare quella, ben più ampia, della castrazione di una dittatura che annulla l’essere umano, la scelta. Gabita, che porta in grembo l’errore e Otilia che la aiuta a porvi rimedio, si trascinano catatoniche in un labirinto fatto di interni claustrofobici e scorci cittadini avvolti il più delle volte nel buio più nero. Lo stesso buio che ritroveranno una volta uscite da quel tunnel, immerse in un contesto dal futuro vuoto e incerto: l’aborto di Gabita è l’aborto di uno Stato che uccide lo sviluppo del suo popolo. Una volta entrate nelle stanza 206 il tempo si ferma per sempre perché nulla sarà più come prima: la loro diventa una presa di coscienza che ammutolisce. Mungiu procede spietato e millimetrico, scandendo il tempo del gesto estremo voluto, pianificato, difeso ad ogni costo; non si concede a sguardi compassionevoli, eppure avvolge la solitudine di queste due donne smarrite, mosse dal terrore e dalla rassegnazione. Come quando Otilia che sembra crollare per la prima volta, rivolge lo sguardo in camera, silenziosa, alla ricerca di una risposta che saremmo subito pronti a dare per tranquillizzarla. 
Cassandra’s dream – Sogni e delitti
Woody Allen
2007
Ripetitivo, forse. Inutile, no. Sogni e delitti prosegue un percorso iniziato con "Crimini e misfatti" e Allen, che qui si fa nerissimo, lo estremizza per chiudere un cerchio: scompare la morale del super-io e si affaccia quella deistica. Ci sono scelte razionali, altre attribuite al caso e un dio che guarda dall’alto. Ian e Terry compiono un omicidio mentre lo scacchista che li muove se la ride beffardo nascondendosi dietro la presunta devozione familiare. In attesa del pentimento, che arriva poco prima che le mani siano definitivamente lavate dal sangue. L’andamento è quello del realismo euripideo; ci si cala nella working class londinese e ci si siede al tavolo di una famiglia con due figli agli antipodi, eppure identici nel loro infantilismo e nella rincorsa al dio denaro. Cosa si è disposti a fare per ottenere ciò che si vuole? Ecco servita l’ennesima fine riflessione sull’essere umano e le sue miserie: “hai avuto paura perché hai visto per la prima volta la tua vera natura” chiosa un Ian impassibile a colpo appena sparato. Allen gioca sporco coi suoi personaggi aiutato da un ritrovato Philp Glass che posa gelido la sua partitura severa e retrò sulle dinamiche di questa moderna tragedia greca. L’esito non delude, ma manca di passione: altrove si scopava tra i campi di grano, qua lo si fa al buio. Per dire.
Woody Allen
2007
Ripetitivo, forse. Inutile, no. Sogni e delitti prosegue un percorso iniziato con "Crimini e misfatti" e Allen, che qui si fa nerissimo, lo estremizza per chiudere un cerchio: scompare la morale del super-io e si affaccia quella deistica. Ci sono scelte razionali, altre attribuite al caso e un dio che guarda dall’alto. Ian e Terry compiono un omicidio mentre lo scacchista che li muove se la ride beffardo nascondendosi dietro la presunta devozione familiare. In attesa del pentimento, che arriva poco prima che le mani siano definitivamente lavate dal sangue. L’andamento è quello del realismo euripideo; ci si cala nella working class londinese e ci si siede al tavolo di una famiglia con due figli agli antipodi, eppure identici nel loro infantilismo e nella rincorsa al dio denaro. Cosa si è disposti a fare per ottenere ciò che si vuole? Ecco servita l’ennesima fine riflessione sull’essere umano e le sue miserie: “hai avuto paura perché hai visto per la prima volta la tua vera natura” chiosa un Ian impassibile a colpo appena sparato. Allen gioca sporco coi suoi personaggi aiutato da un ritrovato Philp Glass che posa gelido la sua partitura severa e retrò sulle dinamiche di questa moderna tragedia greca. L’esito non delude, ma manca di passione: altrove si scopava tra i campi di grano, qua lo si fa al buio. Per dire.Elizabeth: The Golden Age
Shekhar Kapur
2007
Iconografica. La Elizabeth di Shekhar Kapur, ancora più del primo capitolo di questa annunciata trilogia, sembra l’estensione cinematografica di una cangiante icona sacra, laddove il colore è simbolo della fede, del mistero contemplativo e chiave interpretativa del divino. E’ la stessa Elizabeth, in un passaggio del film, a ricordare il suo distacco dagli altri sottolineando come si senta in una teca di vetro, contemplata appunto. Perfetta, algida, ultraterrena. L’occhio di Kapur non si allontana mai da questa rappresentazione, nemmeno nei pochi momenti in cui la regina sembra cedere al proprio istinto, racchiusa comunque tra le pesanti mura di una corte che diventa consapevolmente una tomba. Ciononostante, il timido tentativo di mostrarne le debolezze, finisce col rafforzare il personaggio e The Golden Age diventa un film dossologico. Va da sé che l’enfasi e la ridondanza scenografica siano un mezzo quasi obbligato per sottolinearne gli intenti. Michael Hirst, confeziona una sceneggiatura che si destreggia abilmente tra esigenze storiche e cinematografiche, drammi personali e reazioni pubbliche, dando modo a Kapur di mettere a segno un lavoro che abbraccia degnamente un genere e che nel momento in cui sollazza chi ama questo tipo di cinema, non manca di innescare crisi emetiche a chi si rivolta al solo sentire il fruscio delle vesti di seta. Tutti d’accordo però nel tessere le lodi di due primedonne come Cate Blanchett, che riesce ad annullarsi completamente nel personaggio Elizabeth, e Samantha Morton, una Maria Stuarda dagli occhi di ghiaccio a cui è affidato uno dei momenti più intensi del film.
Shekhar Kapur
2007
Iconografica. La Elizabeth di Shekhar Kapur, ancora più del primo capitolo di questa annunciata trilogia, sembra l’estensione cinematografica di una cangiante icona sacra, laddove il colore è simbolo della fede, del mistero contemplativo e chiave interpretativa del divino. E’ la stessa Elizabeth, in un passaggio del film, a ricordare il suo distacco dagli altri sottolineando come si senta in una teca di vetro, contemplata appunto. Perfetta, algida, ultraterrena. L’occhio di Kapur non si allontana mai da questa rappresentazione, nemmeno nei pochi momenti in cui la regina sembra cedere al proprio istinto, racchiusa comunque tra le pesanti mura di una corte che diventa consapevolmente una tomba. Ciononostante, il timido tentativo di mostrarne le debolezze, finisce col rafforzare il personaggio e The Golden Age diventa un film dossologico. Va da sé che l’enfasi e la ridondanza scenografica siano un mezzo quasi obbligato per sottolinearne gli intenti. Michael Hirst, confeziona una sceneggiatura che si destreggia abilmente tra esigenze storiche e cinematografiche, drammi personali e reazioni pubbliche, dando modo a Kapur di mettere a segno un lavoro che abbraccia degnamente un genere e che nel momento in cui sollazza chi ama questo tipo di cinema, non manca di innescare crisi emetiche a chi si rivolta al solo sentire il fruscio delle vesti di seta. Tutti d’accordo però nel tessere le lodi di due primedonne come Cate Blanchett, che riesce ad annullarsi completamente nel personaggio Elizabeth, e Samantha Morton, una Maria Stuarda dagli occhi di ghiaccio a cui è affidato uno dei momenti più intensi del film.Nip/Tuck
Ryan Murphy
(STAGIONE 5)
2007/2008
Esperienza insegna come solo a stagione conclusa Nip/Tuck riesca a recuperare le file di un discorso anche quando sembra brancolare nel buio; tuttavia, a una manciata di episodi dalla fine, qualche considerazione si può già portare avanti. Se con la trasferta losangelina la serie aveva in potenziale un carnet di opzioni esaltanti per poter cambiare definitivamente rotta, giunti alla decima puntata si rivela invece fedele a sè stessa, almeno nelle dinamiche tra i personaggi principali. Un limite che affoga nella ricerca di nuove soluzioni che non sempre arrivano, così come era successo con i suoi pro e contro nella quarta stagione, la quale aveva almeno dalla sua una villain di tutto rispetto e due storyline molto più corpose di quelle di quest'anno. Certo, non mancano il divertimento per le situazioni più surreali (Rosie O’Donnell, sempre sia lodata) o il coinvolgimento per i momenti più toccanti, ma ormai lo si guarda con la rassegnazione di non poter più assistere a qualcosa di degno del nome che porta. Così, quella che doveva essere la stagione dei cambiamenti (a detta dello stesso Ryan Murphy) si rivela l'ennesima galleria di conflitti Sean/Julia, Sean/Christian, Sean/Julia/Christian, Matt contro tutti; e non bastano certo le folli parentesi metatelevisive di "Cuori e bisturi" per salvare la baracca. Quello che continua ad irritare però è l'uso che viene fatto dei personaggi secondari, un problema da sempre presente nella serie, ma che ora diventa mastodontico: che fine ha fatto la sadica mistress delle prime puntate? O l’agente Fiona che sembrava promettere fuoco e fiamme? Perchè sacrificarli per far tornare dal passato una Gina a caso coi suoi "Hey asshole!" o per fare aprire le gambe ad una scialba Eden, personaggio stereotipato e tagliato con l'accetta? Mancano quattro episodi al season finale e ancora non si ha idea di dove si andrà a parare, ma la recente introduzione di un nuovo personaggio che sembra uscire dalla penna di Tennessee Williams potrebbe far chiudere degnamente la stagione numero cinque, riassumendo tutta la follia Hollywoodiana che finora si è timidamente affacciata tra le pieghe di queste puntate. Non resta che aspettare.
Ryan Murphy
(STAGIONE 5)
2007/2008
Esperienza insegna come solo a stagione conclusa Nip/Tuck riesca a recuperare le file di un discorso anche quando sembra brancolare nel buio; tuttavia, a una manciata di episodi dalla fine, qualche considerazione si può già portare avanti. Se con la trasferta losangelina la serie aveva in potenziale un carnet di opzioni esaltanti per poter cambiare definitivamente rotta, giunti alla decima puntata si rivela invece fedele a sè stessa, almeno nelle dinamiche tra i personaggi principali. Un limite che affoga nella ricerca di nuove soluzioni che non sempre arrivano, così come era successo con i suoi pro e contro nella quarta stagione, la quale aveva almeno dalla sua una villain di tutto rispetto e due storyline molto più corpose di quelle di quest'anno. Certo, non mancano il divertimento per le situazioni più surreali (Rosie O’Donnell, sempre sia lodata) o il coinvolgimento per i momenti più toccanti, ma ormai lo si guarda con la rassegnazione di non poter più assistere a qualcosa di degno del nome che porta. Così, quella che doveva essere la stagione dei cambiamenti (a detta dello stesso Ryan Murphy) si rivela l'ennesima galleria di conflitti Sean/Julia, Sean/Christian, Sean/Julia/Christian, Matt contro tutti; e non bastano certo le folli parentesi metatelevisive di "Cuori e bisturi" per salvare la baracca. Quello che continua ad irritare però è l'uso che viene fatto dei personaggi secondari, un problema da sempre presente nella serie, ma che ora diventa mastodontico: che fine ha fatto la sadica mistress delle prime puntate? O l’agente Fiona che sembrava promettere fuoco e fiamme? Perchè sacrificarli per far tornare dal passato una Gina a caso coi suoi "Hey asshole!" o per fare aprire le gambe ad una scialba Eden, personaggio stereotipato e tagliato con l'accetta? Mancano quattro episodi al season finale e ancora non si ha idea di dove si andrà a parare, ma la recente introduzione di un nuovo personaggio che sembra uscire dalla penna di Tennessee Williams potrebbe far chiudere degnamente la stagione numero cinque, riassumendo tutta la follia Hollywoodiana che finora si è timidamente affacciata tra le pieghe di queste puntate. Non resta che aspettare.
